jueves, 29 de noviembre de 2012

Muralismo


Luis Gonzalez Camarena


El Muralismo es un movimiento artístico de carácter indigenista, que tuvo sus inicios tras la Revolución Mexicana (1910). Los objetivos de esta corriente consisten en socializar el arte y rechazar la pintura tradicional de caballete, y cualquier otra obra procedente de los círculos intelectuales.
El Muralismo propone la producción de obras monumentales para el pueblo en las que se retrata la realidad mexicana, las luchas sociales y otros aspectos de su historia. En México, esta corriente fue uno de los fenómenos más decisivos de la plástica contemporánea iberoamericana y sus principales protagonistas fueron: Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros.

Diego Rivera.

El movimiento se internacionalizó hasta 1930 y se extendió a otros países de América.

El impulsor de este movimiento fue José Vasconcelos, filósofo y primer secretario de Educación Pública de México quien, tras la Revolución, pidió a un grupo de artistas jóvenes revolucionarios que plasmaran en los muros de la Escuela Nacional Preparatoria de la ciudad de México la imagen de la voluntad nacional.
Los artistas tenían total libertad para elegir los temas y mostrar un mundo nuevo sobre las ruinas, la enfermedad y la crisis política surgida tras la Revolución. En general, es una crítica social de modo estético y puro. Que tratan de denunciar las injusticias que se cometían y la tristeza del pueblo mexicano ante la violencia y opresión que se acababa de vivir en torno  la revolución.
Siqueiros


Los muralistas, influidos por el pasado precolombino y colonial, desarrollaron un arte monumental y público inspirado en lo tradicional y popular, terminando así con el academicismo reinante, exaltando su cultura y origen precortesiano.

Cauces del Indigenismo:

Concepción histórica de Diego Rivera: descripción minuciosa de una idílica vida cotidiana antes de la llegada de los españoles.

Por otro, la de José Clemente Orozco: Integra las culturas indígenas en el contexto de una religiosidad violenta; su obra épica la realizó con suficiente ironía, amargura y agresividad como para encarnar una imagen verdadera y convincente del mundo moderno, con su despiadada lucha de clases, teniendo como tema obsesionante el del hombre explotado, engañado y envilecido por el hombre.

David Alfaro Siqueiros: Fue el único que se interesó por acercar a la pintura moderna los valores plásticos de los objetos prehispánicos.

Siqueiros


El muralismo se desarrolló e integró fundamentalmente en los edificios públicos y en la arquitectura virreinal. Los muralistas se convirtieron en cronistas de la historia mexicana y del sentimiento nacionalista, desde la antigüedad hasta el momento actual. La figura humana y el color se convierten en los verdaderos protagonistas de la pintura. En cuanto a la técnica, redescubrieron el empleo del fresco y de la encáustica, y utilizaron nuevos materiales y procedimientos que aseguraban larga vida a las obras realizadas en el exterior.
El introductor de nuevas técnicas y materiales fue Siqueiros, que empleó como pigmento pintura de automóviles (piroxilina) y cemento coloreado con pistola de aire; Rivera, Orozco y Juan O’Gorman emplearon también mosaicos en losas precoladas, mientras que Pablo O’Higgins utilizó losetas quemadas a temperaturas muy altas. Las investigaciones técnicas llevaron también al empleo de bastidores de acero revestidos de alambre y metal desplegado, capaces de sostener varias capas de cemento, cal y arena o polvo de mármol, de unos tres centímetros de espesor.
Desde 1922 hasta nuestros días no se han dejado de hacer murales en México, lo que prueba el éxito y la fuerza del movimiento. En la década de 1930, la internacionalización del muralismo se extendió a Argentina, Perú y Brasil, y fue adoptado incluso por Estados Unidos en algunos de sus edificios públicos.
Camarena


Dato Curioso: Siqueiros fue el primero en hacer graffiti callejero en la ciudad de Los Ángeles.

jueves, 15 de noviembre de 2012

La imagen digital y la escultura.

La escultura original del siglo XVI, expuesta en la Loggia dei Lanzi en Florencia (Italia) se digitalizó gracias a un escáner óptico de tecnología punta y la información resultante se usó para crear un modelo, después un molde y, finalmente, una escultura de cera que replicaba con precisión la piedra del original (pero, esta vez, con mechas en su interior).

En cierto sentido hay muy poca diferencia en cómo se crearon estas obras. Los artistas tuvieron una idea y necesitaban ayuda técnica para llevarla a cabo. Migue Ángel solicitó a Bernardino que le ayudara a fundir una gran escultura de bronce, un reto técnico para los artistas renacentistas (los informes de testigos contemporáneos le describen burlándose de Leonardo da Vinci por su incapacidad para fundir un caballo gigante en Milán). Fischer quería hacer una copia perfecta del Rapto de las Sabinas en cera y el escaneado digital le ofreció la ayuda que necesitaba.


La cuestión, como destacó Fischer en una entrevista con The Art Newspaper esta primavera, es que la digitalización está en todas partes en el mundo contemporáneo, y también en el estudio del artista. “La gente ve que uso ordenadores, así que dicen que hago arte informatizado”, afirmó. “No se trata de hacer arte informatizado, sino de usar lo nuevo. Todo el mundo lo usa”. Para llevar a cabo ciertas ideas, la nueva tecnología es imprescindible o, por decirlo de otra forma, la tecnología informática está haciendo posibles proyectos que hace tan solo unos años hubieran sido completamente impensables.
Los artistas están usando los ordenadores en todo tipo de formas artísticas consagradas. Pintores como Jeff Koons y Michael Craig-Maryin construyen imágenes usando un método de collage con pantallas de ordenadores (es decir, seleccionando y montando imágenes digitalmente de varias fuentes distintas) y cuando tienen el resultado visual que quieren, lo convierten en un cuadro (o, en el caso de Koons, se lo pasan a sus ayudantes para que lo reproduzcan en pintura). En otros casos, las nuevas tecnologías hacen posibles algunas locuras. Ahora es normal que los artistas escaneen digitalmente una imagen, manipulen su perspectiva y sus colores y proyecten el resultado sobre un lienzo que después pintan.
Mientras, la escultura monumental siempre ha sido en parte una cuestión de ingeniería, y cuanto más grande fuera el proyecto, más complicado de llevar a cabo. Tomemos como ejemplo Exposure de Antony Gormley, una figura en cuclillas de casi 26 metros de altura y 60 toneladas de peso hecha con vigas de acero y plantada en un trozo de tierra cerca de la orilla del Zuiderzee (Holanda) en 2010. La idea esencial –una figura masculina gigante- es sencilla. De hecho, Miguel Ángel ya la tuvo, pero no pudo hacerla realidad.  La Vida de Miguel Ángel de Condivi recoge que, estando en una cantera de Carrara, al artista le surgió la idea de tallar toda una montaña para crear una figura. Después comentó: “Si tuviera la certeza de poder vivir cuatro veces el tiempo que ya he vivido, lo hubiera acometido”. El equipo mecánico de talla necesario para el proyecto de Miguel Ángel no apareció hasta los siglos XIX y XX. Evidentemente, el arte que se realiza se ve limitado por la tecnología disponible, pero eso no impide que los artistas tengan ideas que superen esos límites.
En los años 70 la escultura digital irrumpe realmente en el mundo del arte a través del escultor alemán Eberhart Fiebig que dibuja proyectos monumentales asistido por un ordenador. El español José Luis Alexanco diseña con un ordenador figuras antropomórficas acumulando unas encima de otras láminas discoidales que aglutina con resinas. El francés Yves Kodratoff con una maquina de control numérico excava bloques de yeso en una galería y bajo las órdenes del público. ¡Obras realmente interactivas!

El ordenador será la herramienta numero uno del escultor del siglo XXI. Habría que esperar a la llegada de la de la micro-informática y las tecnologías de prototipado rápido para que vuelva a surgir la "computer sculpture" que hoy en día esta transformando todos los métodos de visualización y fabricación en el mundo del arte (escultura, fotografía, cine ...), del diseño, o de la arquitectura.

Fuente: http://www.castor.es/escultura_digital.html

jueves, 1 de noviembre de 2012

Día de muertos muy mexicano.

1 y 2 de noviembre.

Uñas Dadaístas





Festival egipcio en México

Para promover la cultura egipcia, en particular sus tradiciones deportivas y dancísticas, se celebró El Festival Egipto en México, entre el 26 y el 28 del pasado mes de Octubre. El programa contempló un Taller de danza clásica oriental que se impartió el 28 de este mes a  las 16:00 horas en el Centro Universitario Cultural, Odontología 35, Coyoacán, y también se presentó una exhibición dancística a las 19:00 horas, a cargo Nesma, Randa Kamel y Gamal Seif. El sábado 27, en el centro Multidisciplinario Dharma, calle San Felipe esquina San Gabriel, colonia Santa Úrsula, Coyoacán, hubo bazares, talleres de arte clásico oriental, tahtib-bastón y danza.


El Tahtib egipcio es el arte marcial más antiguo del mundo. Su nombre completo es fann el Nazaha wal Tahtib, que significa, “búsqueda de la rectitud a través del Tahtib”. Consiste en un combate entre dos o más adversarios que emplean una vara de carrizo, tahtib, que mide entre 1.30 hasta 6 metros de largo, con acompañamiento de música en vivo, al ritmo árabe del saidi, que incluye saltos y ademanes de golpes, sin contacto con el cuerpo.

Según la tradición, la eficacia de los antiguos guerreros con bastón o tahtib, era superior a la de los que usaban sables o espadas. De las figuras que hay en las cámaras mortuorias de faraones y dignatarios, se deduce que los antiguos egipcios poseían una cultura física perfeccionada a través de milenios y que el deporte formaba parte de la vida cotidiana. Su vitalidad y fuerza creadora se expresaba mediante actividades gimnásticas, juegos de pelota, atletismo, hípica, lucha, boxeo, natación y esgrima con bastones, tahtib, entre otras. Para el historiador Carl Diem, “No son meras figuras para la demostración de detalles técnicos, sino instantáneas llenas de ambiente de lucha y alegría deportiva.”
En conversación con EL UNIVERSAL, el coreógrafo y doctor en medicina y ciencia del deporte, Gamal Seif, quien reside en Alemania, comenta: “Cualquier definición del deporte debe incluir el cuerpo, la mente, el contexto social y la salud. Su práctica influye en las comunidades y su entorno, en la actividad laboral, así como en el desarrollo de las ciencias, la educación y la disciplina. Una maratón, por ejemplo, afecta a toda la comunidad, y de manera directa o indirecta tiene que ver con el arte, la música, el baile, etc. 

En cuanto a la danza, ésta no se puede definir con palabras. Sólo se entiende a través del movimiento, la emoción y la expresión. Si yo fuera poeta pondría la poesía en palabras. Un bailarín es el que integra la melodía, el ritmo y las emociones a través del movimiento del cuerpo. El origen del tahtib es una celebración mediante la imitación de los hechos de una lucha real. La danza, en general, expresa la libertad, la tristeza, la alegría y la relación entre el hombre y la mujer. Para mí es una filosofía vida”



Fuente: El Universal.

miércoles, 31 de octubre de 2012

Película: "Adiós a Lenin"


FICHA TÉCNICA


Título: Goodbye, Lenin!
Dirección: Wolfgang Becker.
País:
 Alemania.Año: 2003.Duración: 121 min.Interpretación: Daniel Brühl (Alex), Katrin Sass (Madre de Alex), Chulpan Khamatova (Lara), Maria Simon (Ariane), Florian Lucas (Denis), Alexander Beyer (Rainer), Burghart Klaussner (Padre de Alex), Franziska Troegner (Sra. Schäfer), Michael Gwisdek (Director Klapprath).
Producción: Stefan Arndt.Música: Yann Tiersen.



CRÍTICA

Esta película nos pareció un gran filme que nos invita a reflexionar acerca del mundo capitalista y el régimen socialista que se llevaba a cabo en el pasado. Observamos como la madre de Alex vive inmersa en una gran mentira desde que cae en coma y, para no causarle disgusto alguno, Alex decide ocultarle a su madre la información de la caída del muro de Berlín y el triunfo del capitalismo.

Nos vemos inmersas, como espectadoras, en una división de dos grandes sistemas que llegaron a dividir al mundo, como lo era el capitalismo y el socialismo. Nos hacemos presentes en esa transición de sistemas y hay partes en las nos vemos inmiscuidas en la mentira que sostiene el hijo de Christiane todo por amor a su madre.

La película nos va narrando tanto acontecimientos negativos y sus características de los dos sistemas ya mencionados. Vemos como el mundo va evolucionando y también las personalidades de cada personajes. Es ir observando a lo largo del filme como va componiéndose el mundo y como se debe adaptar a las nuevas formas de vida. En tema ético, podemos observar el contexto de las mentiras que se va tomando en cuenta por toda la película ya que Alex trata de hacer lo posible para que su madre siga creyendo que viven en un socialismo. Vemos el tema de las marcas comerciales y los productos que son clave en el mundo capitalista de Alemania. 

Se nos hizo una película buena en cuanto a elementos como la música utilizada y la manera en como nos la presentan. Nos dejó mensajes acerca de la realidad en la que vivieron muchas personas que se encontraban bajo un régimen de autoridad. Nos hizo reflexionar acerca de el consumismo que se generó a la llegada del capitalismo así como el olvido a la sociedad.

Es un filme recomendable para analizar estos dos sistemas y también el papel importante que jugaron las personas involucradas en estos cambios, las situaciones que llegaron a pasar y la manera en la que trataban de alargar una mentira que al final, terminó en la aceptación.

jueves, 20 de septiembre de 2012

La maravilla de Milán






El Duomo di Milano es una catedral gótica ubicada en la ciudad italiana de Milán. Tiene 157 metros de largo y puede albergar 40.000 personas en su interior. Las ventanas mayores del coro tienen la reputación de ser las mayores del mundo.

La catedral de Milán es un templo de grandes dimensiones, de cinco naves, una central y dos naves laterales por cada uno de los lados, con al menos cuarenta pilares atravesada por un transepto seguido por el coro y el ábside. La nave central es muy alta, tiene una altura de 45 metros, sólo es más alta la incompleta nave central de la catedral de Beauvais con una altura de 48 metros. La construcción es de ladrillo, recubierto de mármol de color rosa.